Wie Plattenlabels reich werden, während Künstler leiden

Vor ein paar Jahren bemerkte ein Musikproduzent, dass ein Track, an dem er 20 Jahre zuvor gearbeitet hatte, millionenfach gestreamt worden war. Es war seltsam, dachte er, weil er keine Lizenzgebühren aus dem Lied erhalten hatte.

Also kontaktierte er sein Label, der ihm sagte, sie hätten nicht in Kontakt gewesen, weil sie seine aktuelle Adresse nicht hatten. „Wenn ich ein großes Plattenlabel Geld schuldete, vertrauen Sie mir, sie könnten mich sehr schnell finden“, sagt der Produzent, der darum bat, anonym zu bleiben, sagt jetzt.

Es dauerte zwei Jahre, bis das Label dem Produzenten die 20.000 Pfund, die er schuldete, sowie eine noch höhere Summe für den Künstler des Tracks, der ihre Lizenzgebühren erhalten hatte, eine noch höhere Summe bezahlte. “Das sind das Leben der Menschen”, sagt der Produzent. “Und ich würde gerne sagen, dass ich eine Ausnahme von der Regel bin, aber dies ist ein regelmäßiges Ereignis.”

Diese Art von Geschichte ist Annabella Coldrick, CEO des Music Managers Forum, allzu vertraut, das sich im Namen seiner Manager -Mitglieder für eine fairere Branche einsetzt. “Es gibt viel davon”, sagt sie und beschreibt das oben genannte nur ein Beispiel dafür, wie „so wenig Transparenz auf dem Markt“ ist.

Auf den ersten Blick floriert die Musikindustrie, wobei Rekordverkäufe im Jahr 2024 ein Allzeithoch erreichen. Aber nicht jeder sieht einen angemessenen Anteil dieser Gewinne.

“Die Spitze der Branche ist absolut boomnd”, erklärt Coldrick. “Die größten Künstler der Welt verdienen mehr als je zuvor.” Dennoch gibt es eine immer weit verbreitete „gepresste Mitte“ wie Popstar Kate Nash oder Indie Group Sports Team, die kürzlich über die finanziellen Realitäten des Musikers gesprochen haben.

Coldrick sagt, dies liegt daran, dass viele Künstler mit mittlerer Ebene bei großen Label-Rekordgeschäften unterschrieben sind. Auch wenn sie im Gegensatz zum oben genannten Produzenten ihre eigenen Lizenzgebühren nicht aufspüren müssen, „sehen sie wahrscheinlich nicht viel, wenn überhaupt, von ihrem Streaming -Einkommen, da sie die Wiederholung und die Aufzeichnung aus ihren Fortschritten auszahlen werden, oft aus einer entsetzlich niedrigen Lizenzgebühr“.

Die Ökonomie des Musikemachens kann kompliziert erscheinen. Aber im Wesentlichen arbeitet Warner Chappell, Sony oder eine ihrer Tochtergesellschaften im Wesentlichen ein traditioneller Major Label Record Deal (das mit der Universal Music Group) wie folgt: Ein Label zahlt einem Künstler einen Vorschuss, um die Kosten für die Erstellung eines Plattens zu decken. Sie sind sich auch auf eine Lizenzgebühr der Lizenzgebühren ein, die in der Regel 80 Prozent des Einkommens für das Label und 20 Prozent für den Künstler entspricht. Aber bevor der Künstler eines dieser Lizenzgebühren sieht, müssen sie zuerst seinen Vormarsch auszahlen – was möglicherweise Hunderttausende von Pfund sein könnte. Dies ist als Wiederholung bekannt.

Ein Künstler erholt sich nur mit seinen 20 Prozent. “Es dauert also sehr lange, bis sich wiederholt und Geld verdient”, erklärt Coldrick. In der Zwischenzeit profitieren das Label möglicherweise bereits von der Musik des Künstlers.

Wenn das unfair klingt, wird es schlimmer. Die Einführung des Streamings machte das Bild noch dauerhaft. Spotify, das 2009 in Großbritannien ins Leben gerufen wurde, führt ungefähr ein Drittel seines Umsatzes, was bedeutet, dass dieses Geld nie in die Nähe von Künstlern kommt. Der jährliche „laute und klare“ Bericht des Unternehmens, der zeigt, wie viel Künstler auf der Plattform erstellen, wurde Anfang dieser Woche veröffentlicht. Es ist voller großer Zahlen, die den Impressionkünstler gut bezahlt werden. Spotify hat 2024 in Höhe von 10 Mrd. USD in Lizenzgebühren ausgezahlt. Aber die Realität, wie dieses Geld verteilt wird, ist komplex.

Ein anderer Branchen -Insider, der darum bat, Anonymous zu bleiben, erklärt: „Bei dem Aufkommen von Streaming interpretierten die wichtigsten Plattenlabels die Begriffe aus Verträgen“ und wendeten sie auf das neue Format an, „ohne sich mit Musikherstellern zu beraten“. Das Ergebnis ist, dass viele Künstler weiterhin an 80/20 Lizenzgebühren für das Streaming gebunden sind – aber das Format ist nichts mit dem „Verkauf“, den 80/20 Split darstellt. Dieses Verhältnis basiert auf einem System, in dem die Etiketten an Vertrieb, Marketing und Werbung gearbeitet haben, um sicherzustellen, dass Alben in Geschäfte und die Hände von Fans geriet. Heutzutage bedeutet algorithmisches Streaming, dass ein Spotify -Benutzer möglicherweise einen Track anhört, nur weil der Algorithmus ihn auf sie gedrückt hat, was wenig bis gar keine Eingabe – geschweige denn 80 Prozent wert – vom Etikett selbst benötigt.

Das ist noch nicht alles. Vertragsbedingungen, die für die Drücke von Vinyl und CDs geschrieben wurden, wurden auch für die Streaming -Ära „interpretiert“. Daher enthalten Verträge manchmal noch Gebühren für Verpackungsabzüge und Bruch, obwohl Streaming über 85 Prozent des gesamten Musikverbrauchs ausmacht und ein Album digital nur einen Bruchteil des physischen Vergleichs verteilen. “Es ist völlig unmoralisch”, sagt der Insider.

All dies bedeutet, dass die Majors mehr und mehr verdienen – Universal -CEO Lucian Grainge verdiente 2023 einen kräftigen 150 Millionen US -Dollar -, während Künstler aussehen. “Wir sehen die Rückkehr einer Blütezeit für die wichtigsten Etiketten”, fügt der Insider hinzu und bezieht sich auf das vorabstreamende Alter der späten 1990er und frühen 2000er Jahre, bevor die Digitalisierung einen Rekordverkauf zusammenfiel, und Piraterie bedrohte die Branche. “Wir sehen, wie sie wieder Torhüter werden.”

Die Majors haben diesen Boom selbst anerkannt: „Die gute Nachricht ist, dass unsere Margen im Vergleich zur letzten großen Ära des Gewinns vor 20 Jahren viel besser sind“, sagte Rob Stringer, CEO von Sony Music Entertainment, im Jahr 2019.

„Das Rekordgeschäft war vorher ziemlich schlecht, als es Einzelpersonen war, die nur versuchten, reich zu werden“, sagt Tom Gray, Vorsitzender der Ivorors Academy, eine professionelle Vereinigung für Songwriter und Komponisten. „Aber da sie öffentliche Unternehmen geworden sind, ist dieser wahnsinnige Antrieb für Gewinne zum Ding geworden: Marktanteil, Konsolidierung, Wachstum. Es hat nicht viel mit Musik zu tun. Es hat nur mit Vermögensvermögen und Pensionsfonds zu tun. “

Aber Künstler wehren sich. Anfang dieses Jahres verklagte die Irish Rock Group The Cranberries ihre Label Island Records (die Teil von Universal ist) und behauptete, Millionen in unbezahlten Lizenzgebühren. Diese Art von Fall hat einen Präzedenzfall: Im Jahr 2022 gewann der elektronische Musiker Four Tet eine Fehde mit seinem Label The Independent Domino Records, Over -Streaming- und Download -Lizenzgebühren, wobei Domino zustimmt, einen Preis von 50 Prozent zu ehren. Der Fall zeigt, dass es nicht nur die Majors sind, die zu diesen unfairen Begriffen laufen – auch in Indien schuldhaft.

Zusätzliche Komplexitäten machen das Geschäft mit Lizenzgebühren noch schwieriger. Als beispielsweise die Hauptrechtsinhaber sich zum ersten Mal einigten, ihre Kataloge für Streaming-Plattformen zu lizenzieren, stimmten einige zu, dass „die am meisten bevorzugten Nationsklauseln“, sagt Gray, das festgelegt hat, dass der Streaming-Service ihnen kein schlechteres Geschäft geben oder sie weniger zahlen kann als eines der anderen großen Labels. Aber bei der Unterzeichnung eines Plattenvertrags stimmt ein Künstler möglicherweise zu, die Tarife zu senken, als wenn er mit einem Konkurrenten gegangen wäre, und weil „all dies von einer NDA abgedeckt wird [non-disclosure agreement]”, Fügt Gray hinzu, ein Künstler und sein Team haben keine Möglichkeit zu wissen.

Darüber hinaus hat Spotify im vergangenen Jahr alle Tracks mit weniger als 1.000 jährlichen Streams in einem von Universal ausgedachteten Programm dämonierten. Die Plattform argumentiert, dass sie dazu beitragen wird, Betrug zu bekämpfen, aber in Wirklichkeit nimmt es die Einnahmen von DIY und unabhängigen Musikern ab. Streaming -Lizenzgebühren werden direkt an die Rechteinhaber (nicht an Künstler) bezahlt, je nach Prozentsatz, den sie in diesem Monat gestreamt haben. Nach diesem Programm werden Künstler am Ende der Skala eingebracht und bis zum oberen Rand des Systems gefiltert, wo Künstler eher auf großen Labels sind – also gewinnen die Majors erneut.

Sie versuchen das als “künstlerisch-zentriertes Modell” zu nennen “, sagt Gray. „Niemand sprach mit einer der Künstlergruppen darüber. Es ist das lustigste Stück Gaslicht. “

“Es ist eine Reverse Robin Hood”, sagt der anonyme Insider und fügt hinzu, dass die Änderung “die Buchhaltung vollständig undurchsichtig gemacht hat”. Ein Künstler mit weniger als 1.000 Streams gibt jetzt keine Informationen über seine Zuhörer. “Alles, was Sie als Künstler sehen können, ist: Ich bin unter dieser Schwelle, also werde ich Demonstrate.”

Dieser Schritt war möglich, da die Majors die Macht haben, insbesondere Universal, das 36,2 Prozent des aufgenommenen Musikmarktes besitzt. Diese Zahl wird wahrscheinlich weiter wachsen: Die multinationale Hoffnung, die Innenstadtgruppe, ein führendes Musikdiensteunternehmen, zu erwerben. Es besteht immer noch die Möglichkeit, dass der Deal blockiert wird, aber alle Anzeichen zeigen immer mehr Marktkonsolidierung, was Gray sagt, „wird ihnen nur mehr Strom in diesen Lizenzverträgen geben“.

Die anonyme Quelle fügt hinzu, dass Universal aufgrund dieser Konsolidierung die Macht hat, sich „um sich umzudrehen und zu sagen:“ Wir werden unseren Katalog abziehen, es sei denn, Sie geben uns, was wir wollen. “ Das Dämonisierungsschema ist möglicherweise nur der Anfang.

Der Ich Papier Kontaktierte Universal, Warner und Sony, aber die Etiketten lehnten es ab, einen Kommentar abzugeben und sich stattdessen an die britische phonografische Industrie (BPI) zu verschieben, die Handelsvereinigung, die die Interessen von Rekordetiketten darstellt.

Die BPI würde sich nicht zu bestimmten Angelegenheiten äußern, aber CEO Jo Twist sagte: „Streaming hat dazu beigetragen, Künstlern mehr als je zuvor in der Veröffentlichung ihrer Musik ausgewählt zu werden, und viele weitere erzielen einen sinnvollen Erfolg und erhöhten die Einnahmen in verschiedenen Einkommensströmen durch die wesentliche Unterstützung von Rekordetiketten bei der Verstärkung ihres Talents und der Unterstützung ihres kreativen Potenzials.

„Mit der Explosion der Anzahl der Künstler weltweit, die alle durchschneiden möchten, bleibt die Popularität bei den Fans die wichtigste Determinante für den Erfolg und das Einkommen von Künstlern, und wenn sie mit einem Label die beste Chance haben, dies zu erreichen, entscheiden sich so viele Künstler, ihre Musik durch sie zu veröffentlichen.“

“Wir glauben, dass es eine Rolle für große Labels gibt”, sagt Coldrick, der am Cross-Organisational Council of Musicer Makers arbeitet, um sich für Veränderungen einzusetzen. „Es ist nur: Ist es fair? Ist es transparent? “

Coldrick fordert eine Vorschriften für Künstlerzahlungen und Vertragsverhandlungen und argumentiert für „einen Boden, wie es einen Mindestlohn gibt“. Ansonsten kommt alles darauf an, wie viel Verhandlungsmacht Sie haben. Und wie viel Verhandlungsmacht haben die meisten 18-Jährigen, wenn sie einen Rekordgeschäft unterschreiben? Nicht viel. Sie sind ziemlich sternenklar. Sie werden ihren Stift auf alles setzen und dann den Rest ihrer Karriere damit verbringen, sie zu bereuen, weil es keine Mindeststandards gibt. “

Gray setzt auch die Regierung für Veränderungen ein. „Es ist seltsam, dass eine Daten- und Zahlungsbranche im Grunde keine Vorschriften enthält“, sagt er und kommt zu dem Schluss, dass die wichtigsten Etiketten „essen“ [the music business] Lebendig, ohne andere Grund als sie gehen davon aus, dass andere Kinder in den Flügeln warten, die ihre Träume auf den Felsen dieses Systems rennen wollen. “